/ PERFORMANCES / IMPROVISATIONS / COLLABORATIONS

/ ATELIERS CHORÉGRAPHIQUES / CRÉATIONS POUR ÉCOLES DE DANSE

/ STAGES / MASTERCLASSES

Ils étaient là... Ils vous perçaient de leurs yeux fendus comme deux meurtrières, s’infiltrant en fumée dans ce qui allait être leur matière à danser. Des créatures à moitié sauvages. Féroces mais courtoises dans leurs excès de rage. L’instinct primaire qu’ils ne pouvaient refouler revenait à la charge à coups de bras, de jambes, elle pliait les articulations, creusait  les  échancrures. Ici, s’organisaient des combats de coqs, se fomentaient des coups d’État. Bien que forcés d’être ensemble, ils faisaient corps et semblaient aimer ça. Mais ils ne réfléchissaient pas avec leur tête. C’est autre chose qui s’exprimait, sans effort.
Des corps abasourdis de leurs capacités à s’étendre, se crisper, s’arracher du sol. Des corps aussi innocents que les premiers pas d’un enfant. Ils surpassaient tout.

De Homine traite du harcèlement qui se glisse dans tous les aspects et espaces de notre vie.
Les normes et valeurs dominantes de la société installent une hiérarchie entre les individus et laissent des failles dans lesquels la violence et ses effets pervers peuvent s’exercer. La pièce révèle des corps marqués par cette hostilité et agressivité. Ils détruisent progressivement l’humain, son intégrité physique et envahissent son espace vital.
L’espace de chacun est matérialisé dans la deuxième partie de la pièce par des tapis. Chacun explore à l’intérieur de son tapis, métaphore de sa propre enveloppe, les possibilités de son être. En sécurité.
Jusqu’à ce que les espaces s’entremêlent et mettent en danger le plus faible.

Dans ce Sacre du Printemps, les femmes qui entrent en scène et agissent comme un groupe de bacchantes furieuses sentent et captent la présence de l’autre. Elles échangent leurs énergies et une intime force indomptée, parce que chacune d’elles garde et protège le cadeau absolu de la femme : la procréation.
Grâce à ses femmes, je voudrais tâcher de faire revivre l’idée même de la merveilleuse capacité d’engendrer la vie. La procréation : un parcours qui se fait dans la joie, la douleur pour ensuite
arriver à la douceur de ces gestes qui nous mettent en relation avec l’enfant. Sans exclure une réflexion consciencieuse sur qui est né sans avoir été désiré : comme le fruit douloureux d’un geste de violence.

Petites Pièces est un spectacle florilège de nos créations, un parcours chorégraphique à travers des petites histoires. Avec «Petites Pièces» nous vous proposons une anthologie de danse, de musique, de poésie et d'émotion.
Fabio Crestale a su mélanger avec finesse, poésie et humour la danse classique et la danse contemporaine. Souvent opposées, il les unit sans jamais que cela ne devienne conflictuelle ou caricaturale. L'accord est la base et la poussée du mouvement qui déstabilise et réunit. Il fait également monter les musiciens sur scène aux côtés des danseurs, devenant tour à tour musiciens, acteurs ou même danseurs, il prennent entièrement part à la pièce qui se joue.

Uomini traite de l'intimidation et de l'homophobie qui peuvent se manifester dans tous les aspects et espaces de notre vie.

La fugue de Bach retranscrite en mouvement. On y voit des corps chanter cette air, un accord parfait avec Arnaud Nuvolone premier violon de l'Opera de Paris.

Ballet parodique entre une danseuse classqiue et une danseuse contemporaine, un pianiste et un violoniste.
Un caprice où chacun se joue et admire l'autre. On voit se développer une concurrence amicale et légère, digne d'une comédie burlesque.
Pleine de fantaisie cette pièce pousse son public à déborder d'imagination. Nous sommes actifs au même titre que les artistes pour interpréter ce qui se joue en scène.

Cette pièce tire sa source de sensations éprouvées durant diverses rencontres où chaque personne m’a offert une part
d’intime, de secret, de silence, d’égoïsme, de timidité, de bonheur, de sincérité... fragments épars qui ont fait naître une vie en moi. Cette chorégraphie débute par le contact de deux danseurs. Ils apparaissent unis mais dans un espace commun qui ne se remplit pas de leur intimité. Ce vide va les séparer jusqu’à les rendre étrangers.
Le mur s’impose comme une barrière. Il s’oppose à la communication avec l’autre mais aussi avec eux-mêmes, ne laissant aucun espoir à une relation. Les danseurs luttent, cherchent à se rencontrer. Seule l’écoute d’eux-mêmes les amènera à
la révélation de l’autre. «Ensuite, nous renonçons à trembler».

Une femme, un homme. Un couple ordinaire qui cache une réalité bien différente. «The Control» traite de la supériorité masculine au sein même du couple. Cette domination n'est pas seulement physique mais également psychologique. Un regard est déjà une force dominatrice et influante
dans ce couple. Pour combattre cette emprise dévastatrice la femme utilise son intélligence. Et ainsi arrive à sortir de l'ascendant masculin qui ne se sert que de la force pour arriver à ses fins. Une pièce d'une grande puissance narrative et chorégraphique qui expose cette stigmatisation sociale d'un autre temps.

Violent, Fragile, Tendre et Désespéré... Deux personnes, opposées, tremblantes de peur, comme des enfants dans le noir, mais sûres d’elles comme des adultes au milieu de la nuit !
Tourbillonnant, le mouvement est donné par la forêt de la mémoire ... parfois si cruelle ! Puis leurs regards se croisent pour ne plus oublier.
L’histoire qui suit est une conversation, longue et difficile.
Sur un morceau de Philip Glass, le mouvement se nourrit de l’anxiété, des déchirures émotives, des convulsions du cœur en suscitant tantôt espoir, tantôt dévastation.

Cette pièce peut être un interlude entre deux changements comme une pièce entière. Poétique et lyrique elle empporte le public vers la rêverie le temps d'une ellipse musicale. Les deux danseurs intéragissent avec la musique.

Ce duo néoclassiqe pour un danseur et un pianiste est un mélange de virtuosité et d'émotion.
Le pianiste autant que le danseur sont mis à l'épreuve dans cette pièce qui ne leur laisse aucune place à la frivolité. Entre un concert et un ballet cette pièce nous ravit de passion, d'ivresse et d'euphorie. Talk est une discussion bien trop souvent oublié entre la musique et la danse.
L'un entretenant l'autre et vice versa.

Des âmes qui bougent au son des cordes, des corps, de la musique, de la musique des corps.
L’accord est la base du mouvement, celui qui déstabilise et réunit.
Le moment de répétition que je déroule sous vos yeux est brut, nu, sans lumière, sans costumes, à l état de mise en forme, de développement, un moment de rem- plissage des corps par le mouvement et la musique, le chant et le geste !
Un instant de vie, d’âme qui vit...

Quand le souffle divin qui flotte sur le monde. S’arrête sur mon âme ouverte au moindre vent, et la fait tout à coup frissonner comme une onde, où la vie s’abat dans un cercle mouvant !
La musique de Avro Part se prête à raconter la vie. Le souffle vital est en nous. Une ombre qui ne se voit pas mais se perçoit. Et une fois saisi, il offre un sens de bien-être démesuré dont on ne peut plus se passer.
«Tu l'enfermes, l'arrêtes, l'entends... le seul moyen de ne pas le laisser s'échapper est de le capturer dans un ballon.»

«Et ainsi, donc, je regarde mes jambes comme si elles appartenaient à un autre corps» Pablo Neruda
Vivantes! est une création dédiée aux jambes. Se rencontrent sur scène danse, théâtre, musique, poésie et humour.
Porté par l’inspiration du magnifique poème de Pablo Neruda « Rituel de mes jambes », la chorégraphie met en lumière des personnages qui existent à
travers l’expressivité de leurs jambes Elles deviennent les héroïnes de la scène. Elles parlent de leur propre initiative, et, à travers la sensation des danseurs, laissent enfin vivre en liberté l’intégralité du corps de la personne qui danse. Puis nous emmènent dans un voyage parfois aux confins de l’absurde.

Le thème qui émerge à travers ce projet est celui du cauchemar. Celui-ci est lié à la société qui nous entoure et les différentes personnes qui la constitue. Ces dernières, sont symbolisées par l’intermédiaire d’un animal qui est le canard. Il représente à mon sens le conformisme et le manque d’objectivité de l’autre comme le montre le conte des frères Grimm.
J’incarne ici l’inconscient d’une personne qui tour à tour laisse échapper ses angoisses, sa folie, ses peurs.
A travers sa rébellion, j’essaye de me détacher du carcan qui empêchait jusqu’alors toute forme d’épanouissement individuel, en essayant d’interagir avec les autres par le biais d’un retour au dialogue.
Malgré ces tentatives, celui-ci reste vain face au manque d’ouverture d’une société excluant les marginaux et façonnant tous les autres à son image.
S’en suit alors une profonde remise en question alternée de moments de folie.

Chorégraphie / Choreography : Fabio Crestale
Danseurs / Dansers : Annalisa Bardo et Fabio Crestale
Musique / Music : Arvo Part

Un mur comme séparation entre terre et ciel. Un mur comme empêchement vers la liberté. Une liberté seule rêvé, imaginée, dans laquelle on peut se perdre et se disperser.

A wall as a separation between earth and sky. A wall as a hindrance towards freedom. A freedom only dreamed, imagined in whom we could get lost.

/P E R F O R M A N C E S by Fabio Crestale

Chorégraphie / Choreography : Fabio Crestale
Danseurs / Dansers: les danseurs des Ballets de France
Musique / Music : Antonio Vivaldi

« Quand l'émotion du groupe est intense
et que le souffle de la vie joyeuse colore les ballons
c'est que s'exprime la fluidité d'une émotion
dont on voudrait qu'elle soit infinie ».

Fabio Crestale

Chorégraphie / Choreography : Fabio Crestale
Danseurs / Dansers : les danseurs de la Compagnia MeF Ensemble
Musique / Music : les musiciens de la Compagnia MeF Ensemble

/Actions après la guerre

Chorégraphie / Choreography : Paolo Mohovich pour Fabio Crestale
Vidéographie / Video : Domenico Buzzetti